LIEU : Casino Display, 1, rue de la Loge, L-1945 Luxembourg

Le projet de Léa Giordano pour périscope transforme le fait de regarder en un acte intime, presque secret. À travers un cadre étroit, les spectateur·rice·s découvrent des gros plans animés de gestes, de textures et de présences fugaces, qui se dévoilent progressivement pour devenir une réflexion sur la perception et l'invisible.  

Inspirée par les mécanismes du cinéma, l'œuvre transforme le regard en une expérience sensorielle, où le mouvement transmet des émotions qui dépassent le récit. À la fois dissimulatrice et révélatrice, périscope invite à une observation lente et à un émerveillement silencieux, brouillant la frontière entre l'image et l'imagination.  

Léa Giordano est une artiste visuelle et cinéaste basée à Amsterdam et au Luxembourg. Après avoir obtenu une licence en photographie, elle a élargi sa pratique au cinéma expérimental à la Gerrit Rietveld Academy. Son travail oscille entre la photographie et les images animées, utilisant la matérialité du film analogique à la fois comme métaphore et comme moyen de façonner des récits. Sa pratique explore les thèmes du désir, de l'appartenance, de la mélancolie, du deuil et du temps qui passe. À travers une approche méditative de la nature et les processus haptiques du film analogique, Léa crée des espaces intimes où les émotions, les souvenirs et le temps s'entremêlent. 

Photo : Léa Giordano, Shared Air·s (extrait de vidéo), 2025 © courtesy de l'artiste

LIEU : Casino Display, 1, rue de la Loge, L-1945 Luxembourg

Le projet de Léa Giordano pour périscope transforme le fait de regarder en un acte intime, presque secret. À travers un cadre étroit, les spectateur·rice·s découvrent des gros plans animés de gestes, de textures et de présences fugaces, qui se dévoilent progressivement pour devenir une réflexion sur la perception et l'invisible.  

Inspirée par les mécanismes du cinéma,l'œuvre transforme le regard en une expérience sensorielle, le mouvement transmet des émotions qui dépassent le récit. À la fois dissimulatrice et révélatrice, périscope invite à une observation lente et à un émerveillement silencieux, brouillant, la frontière entre l'image et l'imagination.

Léa Giordano est une artiste visuelle et cinéaste basée à Amsterdam et au Luxembourg. Après avoir obtenu une licence en photographie, elle a élargi sa pratique au cinéma expérimental à la Gerrit Rietveld Academy. Son travail oscille entre la photographie et les images animées, utilisant la matérialité du film analogique à la fois comme métaphore et comme moyen de façonner des récits. Sa pratique explore les thèmes du désir, de l'appartenance, de la mélancolie, du deuil et du temps qui passe. À travers une approche méditative de la nature et les processus haptiques du film analogique, Léa crée des espaces intimes où les émotions, les souvenirs et le temps s'entremêlent. 

Extrait de vidéo © courtesy de l'artiste

Jardin des possibles. temporarily transforms one of Mudam’s galleries – the Jardin des Sculptures – into a space for possibilities and slowed-down, mindful action, rhythm and thought. This shift proposes a space that, like a garden, combines the visible and the invisible, the tamed and the wild, and that is ultimately shaped by its visitors. 

As a possible way to start, we invite you to move around the sculptures slowly, taking your time and letting your mind wander. How might this affect your perception of the artworks around you? What do they convey to you? Where do artworks begin and end? What might you notice if you stayed and observed a little longer?

The gallery is designed to welcome you in a way that resists the accelerated rhythm of our lives. Alongside sculptures by Bert Theis, Jason Dodge, Heimo Zobernig, Pascale Marthine Tayou, Su-Mei Tse, Monika Sosnowska and David Zink Yi, there are sitting areas and reading corners available for you to relax or create something unexpected. The sculptures composing this garden are part of the Mudam Collection; some play with notions of balance, emptiness and fragility, while others engage with language, memory and the surrounding architecture. Brought together in this space, they remind us that sculpture can be many things at once.

Jardin des possibles is a place for contemplation and interactions. It aims to favour conversations, moments of reflection, and different ways of viewing and experiencing art.

À propos d'Agnes Gryczkowska

Agnes Gryczkowska est une commissaire indépendante, écrivaine et musicienne. Elle est diplômée en histoire de l’art et titulaire d’un master en histoire de l’art moderne, 

commissariat et critique d’art de l’Université d’Édimbourg. Entre 2019 et 2022, Agnes Gryczkowska a été commissaire des expositions Amnesia Scanner: Anesthesia Scammer (2019) et Holly Herndon: PROTO (restaged) (2019) à la LAS Art Foundation de Berlin. Elle a également été commissaire au Schinkel Pavillon de Berlin, où elle a organisé les expositions HR Giger & Mire Lee (2021) et Sun Rise|Sun Set (2021).

Dernièrement, elle a été commissaire de l’exposition Au-delà (2023) à Lafayette Anticipations, à Paris.

Agnes Gryczkowska a également été enseignante invitée et mentor pour les étudiant·e·s à la Royal Danish Academy et au programme BPA// Berlin pour artistes.

 

Photo : Angélique Aubrit & Ludovic Beillard, Une solitude vraiment terrible, 2024, Galerie Kostka, Prague

Pendant la pandémie, Nora Cristea et Vincent Schneider, un duo de designers et de curateurs basé à Berlin, ont développé la plateforme artistique en ligne CAT (Contemporary Artist Things) dans le but de donner de la visibilité et du soutien à la scène émergente de l'art contemporain. Avec l'exposition €AT, le Casino Luxembourg – Forum d'art contemporain déplace cette initiative curatoriale dans l'espace institutionnel, offrant ainsi aux artistes une nouvelle visibilité.

Pensée comme une allégorie d’un dîner où création et accessibilité entrent en dialogue, €AT se veut à la fois métaphorique, inclusive et ouverte. Porté par Nora Cristea et Vincent Schneider, sous le commissariat de Kevin Muhlen, ce projet rassemble le travail d’une cinquantaine d’artistes internationaux à travers un large catalogue d’œuvres proposées en éditions limitées et disponibles à l’achat à des prix accessibles. Présentées sur deux grandes tables à la manière d’un banquet visuel, les œuvres sont disposées de façon horizontale dans un geste scénographique qui réaffirme l’égalité de traitement entre les artistes exposé·e·s. Chaque pièce, objet ou édition devient le support d’une expérimentation singulière, à la croisée de l’art, du design et de la culture populaire.

€AT est un jeu de mots entre le verbe anglais « to eat » – qui renvoie à la scénographie du banquet – et l’acronyme CAT (Contemporary Artist Things). En ajoutant au « C » les deux traits du symbole de l’euro (€), €AT souligne avec subtilité la dimension économique sous-jacente des spéculations du marché de l’art international face aux approches alliant dimension sociale et culture de soutien. Listées avec leurs tarifs, les œuvres peuvent être acquises sur simple demande à l’accueil du Casino Luxembourg. L’intégralité des recettes sera reversée aux artistes et au fonctionnement de la plateforme d’art en ligne.

Spécialement conçues pour l’exposition, plusieurs œuvres inédites seront dévoilées par les artistes Angélique Aubrit & Ludovic Beillard, Vanessa Brown et Mariechen Danz dont les productions ont été réalisées avec le soutien du Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain. Une invitation a été lancée à Vanessa Brown par Kevin Muhlen ; à Mariechen Danz par Nora Cristea et Vincent Schneider ; et à Angélique Aubrit & Ludovic Beillard par Agnes Gryczkowska, curatrice de l’exposition Theatre of Cruelty présentée au Casino Luxembourg à partir du 15 novembre 2025, dont les deux artistes feront partie.

Artistes: Leonor Antunes., Monika Baer, Andrea Bowers, Miriam Cahn, Jessica Diamond, Dominique Ghesquière., Annette Kelm, Eva Kot’átková, Carine Krecké, Zoe Leonard, Birgit Megerle, Isa Melsheimer, Hana Miletić, Hendl Helen Mirra, Henrike Naumann, Charlotte Posenenske, Monika Sosnowska, Joëlle Tuerlinckx, Diana Thater, Nora Turato

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

Un programme musical avec DJs est proposé du mardi au jeudi et dimanche de 18h00 à - 21h00 (excepté 24/12 et 31/12) et le vendredi et samedi de 18h00 à - 22h00. 

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

Un programme musical sur scène du mardi au jeudi de 17h00 à - 21h00 (excepté 24/12 et 31/12), le vendredi de 17h00 à - 22h00, le samedi de 15h00 à - 22h00 et le dimanche de 15h00 à - 21h00.

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

* HORAIRES SPECIAUX: mercredi 24/12 et mercredi 31/12 : 11h00-18h00

Handicap International mène des opérations dans 18 pays afin de réduire la violence armée. Elle participe également aux différentes initiatives locales et internationales qui ont pour objectif de protéger les civils avant, pendant et après les conflits.

La réduction de la violence armée se fonde sur la reconnaissance de l’inégalité (y compris la répartition inégale des richesses) comme principale cause profonde des conflits. Handicap International agit sur le lien entre ces deux enjeux, en se positionnant non seulement pour la réduction de la violence armée, mais également dans les domaines de l’humanitaire, du développement et de la consolidation de la paix.

De multiples actions sont indispensables pour lutter contre les dégâts causés par les engins explosifs : déminage, destruction des stocks d’engins explosifs, mais aussi l’assistance aux victimes et l’éducation aux risques. L’ensemble de ces actions sont mise en place par de nombreuses ONG dont HI en parallèle des actions de mobilisation politiques nationales et internationales.

Organisateur(s) principal(aux): Handicap International A.S.B.L.

FR :

Les expositions sont accessibles tous les jours, de 10:00 à 18:00.

Certains événements ponctuels peuvent cependant limiter l’accès au site. N’hésitez pas à consulter notre site internet et à nous contacter.

Envie de contribuer à l'œuvre collective qui sera exposée dans le cube. ? Inscrivez-vous !

• Genres : Cube, Installation & Dessin
• Lieu : Buvette
• Informations additionnelles : Visible aux heures d’ouverture de la Buvette
• Prix : Entrée libre

Le film revisite les lieux de tournage de Dragon Inn (1967), guidé par Shih Chun, l’un des acteurs. Aujourd’hui rattrapé par une forme de banalisation – trafic routier, tourisme et urbanisation croissante –, l’endroit est désormais loin des paysages sublimes du cinéma de Hu. Sia examine le rôle des images dans la construction des récits et dans la perception des espaces. Les subtils décalages visuels et sonores reflètent les écarts propres aux souvenirs transformés par l’exil, mais aussi ceux engendrés par la barrière de la langue ou les déplacements culturels. L’artiste omet de sous-titrer certains dialogues et invite ainsi à une écoute active des dialectes, des sons et des intonations, soulignant la nature fragmentaire et élusive de la mémoire. Projeté sur un rideau ondulé, le film devient sculpture. Les conditions de l’expérience cinématographique sont au centre des recherches artistiques et théoriques de Sia, autrice du recueil d’essais On and Off-Screen Imaginaries (2024).

Dans Antipodes III (2024), Sia diffuse un found footage. de vingt-quatre heures, prise de vue en temps réel d'un site idyllique – pourtant militarisé – de Kinmen, l’île de Taïwan la plus proche de la Chine. L’œuvre appartient à une série qui donne à voir un plan fixe par chapitre – et un chapitre par Antipode – d’endroits liés aux tensions de la guerre froide dans la région Pacifique ; des territoires hantés, de façon perceptible ou non, par la violence de la militarisation. Par son mode de diffusion, elle fait écho au théoricien de la communication Marshall McLuhan (1911–1980) : « Nous regardons le présent à travers un rétroviseur. Nous marchons à reculons vers l'avenir »1 et ainsi interroge comment la mémoire et le paysage se construisent mutuellement à travers les conflits géopolitiques.

Biographie

Tiffany Sia (1988, Hong Kong) est lauréate 2024 du prix artistique Baloise, décerné chaque année à deux jeunes artistes présentés dans la section « Statements » d’Art Basel. Depuis que le musée est devenu partenaire du prix en 2015, Sia est la neuvième artiste à en rejoindre la collection.

C’est par le tissage d’animations (en deux et trois dimensions) que l’œuvre nous invite entraîne le cosmique et l’ordinaire, le familier et le rêve — traçant des formes qui réapparaissent là où on ne les attend pas, avec douceur et poésie.

Klara Troost

Klara Troost est une graphiste et artiste visuelle luxembourgeoise installée à Berlin. Formée en communication visuelle et en design spatial entre Berlin et Zurich, elle développe une pratique à la croisée du graphisme, de l’animation et des médias temporels. Son travail oscille entre projets indépendants et collaborations professionnelles, avec un intérêt particulier pour les formes expérimentales, les rythmes visuels et les récits non linéaires.

Son compte Instagram

Visible aux heures d’ouverture de la Buvette

Développée indépendamment mais en écho aux thématiques portées par la LUGA, l’exposition La forêt. Solitudes et solidarités. explore les relations complexes qui se tissent entre les environnements urbains et forestiers, ainsi que la place qu’occupe la forêt dans l’imaginaire contemporain.

Dans nos sociétés occidentales, la ville et la forêt sont souvent appréhendées selon une opposition entre nature et culture qui continue d’influencer nos représentations collectives, nos projets de société et nos politiques d’aménagement. À travers l’histoire, les rapports des humains à la forêt sont ainsi marqués par une profonde ambivalence. En tant qu’espace à la fois mystérieux et inquiétant, la forêt fascine autant qu’elle effraie. Lieu magique et enchanté dans les récits mythologiques, contes et légendes, elle se présente aussi comme un territoire sombre, potentiellement hostile, qu’il convient de maîtriser. Par ailleurs, la forêt est également perçue sous un prisme utilitaire. Elle constitue une ressource économique précieuse, soumise à des logiques d’exploitation et de gestion.

Néanmoins, malgré leur transformation en espaces administrés et leur intégration dans des dynamiques de production, les forêts continuent d’incarner l’image d’un monde en marge de la civilisation, résistant à son emprise. Cette idéalisation de la nature, véhiculant le mythe d’un ordre originel harmonieux antérieur à la corruption du progrès, traverse les siècles. Elle alimente aujourd’hui encore des imaginaires artistiques, porteurs de visions alternatives de l’avenir, souvent inspirées de l’idée d’un âge d’or perdu.

De même, bien que les espaces forestiers soient depuis longtemps gérés et désormais majoritairement fréquentés à des fins récréatives, ils restent associés à un idéal de liberté. Ils constituent une échappatoire face à l’accélération des modes de vie urbains et à la pression du productivisme. En offrant un rythme propre, non contraint par les impératifs de performance, la forêt est perçue comme un espace rassérénant, propice à l’introspection. Loin de l’anonymat des villes, l’expérience de la solitude au milieu de la nature renoue avec une quête d’authenticité et de ressourcement. À la fois sanctuaire et lieu de respiration, la forêt conserve son aura romantique. Pour les artistes, elle demeure un lieu de contemplation et d’inspiration.

Au carrefour des enjeux écologiques, culturels et sociaux contemporains, la forêt constitue également un objet d’étude privilégié pour les sciences contemporaines. Loin d’une conception harmonieuse, les milieux forestiers révèlent un monde vivant complexe, fait d’opportunismes et d’associations symbiotiques surprenantes. Dans ces espaces, rien n’existe seul. La vie se tisse à partir de relations mutualistes, constamment influencées par des déséquilibres et des ajustements. La domination temporaire d’une espèce ne saurait garantir sa pérennité. La célèbre idée de la « survie du plus fort » cède peu à peu le pas à celle d’une efficacité fondée sur la coopération. Ce sont parfois les rencontres fragiles entre espèces qui assurent la résilience d’un écosystème.

Ainsi, les regards croisés de l’anthropologie, de la biologie et de l’art permettent aujourd’hui d’élargir notre compréhension du vivant. Ils nous invitent à repenser nos modèles de société en les élargissant au-delà de l’humain. Rassemblées, ces approches ouvrent des voies vers un monde où la solidarité et l’entraide prendraient le pas sur la compétition, en valorisant des modèles agiles et collaboratifs.

Texte par : Clément Minighetti

Exposition organisée dans le cadre de la programmation hors les murs de la LUGA – Luxembourg Urban Garden.

Commissaires

Clément Minighetti, en collaboration avec Camilla Cuppini et Marion Vergin

Artistes

Clément Davout et Léo Fourdrinier, Martine Feipel et Jean Bechameil, Serge Ecker, Aline Forçain, Sandra Lieners, Letizia Romanini, Keong-A Song, Bert Theis, Alexandra Uppman, Valentin van der Meulen

Vernissage

Le vendredi 10 octobre 2025 à 18:00

Entrée libre, sans inscription

Visite guidée gratuite tous les samedis à 15:00

11.10.2025 (FR)

25.10.2025 (LU/DE)

01.11.2025 (FR)

08.11.2025 (EN)

15.11.2025 (LU/DE), dans le cadre du Luxembourg Design Festival organisé par Design Luxembourg

22.11.2025 (FR)

29.11.2025 (EN)

06.12.2025 (LU/DE)

13.12.2025 (FR)

20.12.2025 (EN)

27.12.2025 (LU/DE)

03.01.2026 (FR)

10.01.2026 (EN)

17.01.2026 : visite curatoriale par Clément Minighetti (FR)

Horaires exceptionnels :

le 24.12.2025 et le 31.12.2025 : 11:00-15:00

Fermé :

le 25.12.2025 et le 01.01.2026

À partir de dessins représentant les bâtiments emblématiques de l’architecte, les enfants et leurs parents sont invités à réinventer l’architecture et le patrimoine luxembourgeois en couleurs vives, motifs géométriques et contrastes surprenants. L’activité transforme la rigueur des façades en une explosion de créativité : une façade rose fluo, un toit jaune soleil, des vitraux multicolores – tout est permis !

Au fil de l’exposition, les œuvres réalisées composent une galerie collective “Pop Arendt”, hommage joyeux et vivant à l’architecte et à son héritage.

·      Horaire : pendant les horaires d’ouvertures du LUCA

·      Tous les publics, enfants, familles, adultes, sans prérequis

·      Activité en continu, libre et gratuite

Cette activité est organisée par le LUCA – Luxembourg Center for Architecture., avec le soutien de l’Œuvre Nationale.

Ses projets alliaient fonction et symbolique : ils donnaient forme à l’autorité de l’État, créaient des lieux de foi et ouvraient l’espace à une société en voie de modernisation. Entre représentation et quotidien, entre permanence et renouveau, Arendt forgea un vocabulaire architectural qui demeure encore aujourd’hui visible dans le paysage urbain.

L’exposition invite à (re)découvrir Charles Arendt comme l’architecte d’un pays en devenir, dont les constructions incarnent une époque de changement et posent les fondations d’une culture bâtie toujours vivante.

Organisée par : Comité Alstad & LUCA – Luxembourg Center for Architecture

Identité visuelle : Studio Polenta

Avec le soutien de : Ministère de la Mobilité et des Travaux publics, Ville de Luxembourg, Ministère de la Culture, Œuvre Nationale, ICOMOS Luxembourg

VERNISSAGE : 25.11.2025 (gratuit, sur inscription)

Fermeture hivernale 20.12.2025 — 05.01.2026

Plus de 2 238 personnes ont été fusillées face à un mur situé à côté du cimetière de Paterna (Valence) sous le règne de terreur que Francisco Franco a instauré en Espagne et qui a duré quatre décennies. Leurs corps ont ensuite été enterrés dans plus de 60 fosses communes. La guerre civile était terminée, mais, jusqu’en 1956, le régime a continué à fusiller des milliers de personnes victimes de représailles. La mémoire est plus tenace et plus puissante que l’oubli et, après plus de quatre-vingts ans, les victimes du franquisme refont surface. En ouvrant les fosses, les archéologues découvrent le temps que le poids de la terre avait arrêté : ils documentent les traces du crime, tracent les positions que les squelettes ont dessinées et recueillent leurs fragments pour reconstituer le tissu pierreux des corps. Ils leur restituent ainsi leur nom, leur visage, leur vie après la mort. C’est pour cela qu’elles sont venues ici : les femmes qui entretiennent la flamme de leur mémoire. Elles sont leurs descendantes, les héritières du traumatisme de leur absence forcée. Elles sont venues pour dénoncer le crime et, si possible, pour mettre fin à l’impunité des bourreaux. 

A côté des photos de Paterna, épicentre du combat pour la Mémoire, nous trouverons des images de la tombe du dictateur Francisco Franco et des récits de la répression franquiste dans la contrée de La Safor. Un voyage vers les conséquences du fascisme et des totalitarismes du XXe siècle. 

En 2016, la photojournaliste Eva Máñez a commencé à documenter les exhumations des fosses communes du cimetière de Paterna et les a publiées dans les principaux médias. Tout au long de ce processus, elle a rencontré des dizaines de femmes courageuses qui lui ont transmis un florilège d’histoires sur la douleur et la recherche. En 2021, Máñez a décidé de recueillir leurs voix, celles des grands-mères, des veuves, des filles, des sœurs, des petites-filles : les chroniques de celles qui n’ont jamais perdu la mémoire. Cette exposition est le fruit de ce voyage à travers l’espace et le temps. 

Organisateur(s) principal(aux): neimënster

Vernissage le 10/12 à 18h30.

Entrée libre sur inscription: Billetterie@neimenster.lu

Les expositions sont accessibles tous les jours, de 10:00 à 18:00..

Certains événements ponctuels peuvent cependant limiter l’accès au site. N’hésitez pas à consulter notre site internet et à nous contacter.

Fermeture annuelle 20/12/25 > 04/01/26.

Comme chaque année, neimënster ferme ses portes durant les fêtes de fin d’année.

Ainsi, du 20/12/25 au 04/01/26, neimënster sera en pause festive.

À Venise en 2024, quatre artistes en provenance de différentes régions du monde ont commencé une archive vivante expérimentale, composée de fragments sonores variés – bribes de performances passées, compositions numériques inédites, enregistrements de terrain, créations parlées. Au fil de courtes résidences, lces artistes ont travaillé à partir de cette bibliothèque pour produire de nouvelles pièces, présentées lors de répétitions ouvertes et de performances en direct.

Pour l’exposition du Mudam, quatre autres artistes viennent enrichir l’archive avec leurs propres créations. Chaque résidence, qui combine phases de production et performances, donne naissance à de nouvelles créations intégrant des éléments issus de la bibliothèque assemblée par l’ensemble des huit contributions. Entre les événements en public, ces enregistrements inédits alternent avec une sélection de fragments existants dans l’archive.

Réunissant des pratiques diverses, A Comparative Dialogue Act explore le potentiel du son comme support de médiation créative, d’intervention et de pollinisation croisée. En associant des éléments produits en direct et des archives, le projet tisse un dialogue en constante évolution, nourri par les échanges entre des artistes qui se rencontrent pour la première fois, et qui, pourtant, se relient à travers le langage partagé de la musique et de l’expérimentation.

Artistes en résidence au Mudam : 

Cucina Povera 

 - Performance d’ouverture : 25 septembre 2025, 20:30 

 - Répétition : 26 septembre 2025 

 - Performance : 27 septembre 2025, 16:30

bela  

- Répétition : 6-7 novembre 2025 

- Performances : 8-9 novembre 2025, 16:30

Katarina Gryvul 

- Répétition: 11–12 décembre 2025, all day 

- Performances : 13–14 décembre 2025, 16:30

Thomas Lea Clarke 

 - Répétition : 15-16 janvier 2026 

 - Performances : 17-18 janvier 2026, 16:30

Cette grande rétrospective – la première d’envergure depuis 1999 et la première jamais présentée en Europe – offre une vision d’ensemble de son œuvre. Elle souligne la pertinence et l’influence toujours vives de son travail de la fin des années 1960 à aujourd’hui, dans un moment où les enjeux liés au déséquilibre du pouvoir et à la représentation collective et individuelle trouvent une nouvelle urgence dans le débat contemporain.

Biographie.

L’artiste new-yorkaise Eleanor Antin (née en 1935) est une figure clé émergente des mouvements d’art conceptuel des années 1970 et elle demeure une figure féministe majeure aujourd’hui. Sa pratique révolutionnaire s’étend sur cinq décennies et a abordé des thèmes tels que l’identité, le genre, l’autobiographie, la classe sociale et les structures sociales. L’approche multidisciplinaire d’Antin inclut l’installation, la peinture, le dessin, l’écriture et, plus particulièrement, la photo- graphie et la performance.

Au cours des cinquante dernières années, Antin a réalisé des performances et exposé son travail à l’international. Elle a fait l’objet de nombreuses expositions individuelles, comme Multiple Occupancy: Eleanor Antin’s ‘Selves’, ICA, Boston, MA (2014) ; Eleanor Antin: Historical Takes, San Diego Art Museum, San Diego, CA (2008) ; Eleanor Antin: Real Time Streaming., Arnolfini, Bristol, Royaume-Uni et Mead Gallery, Warwick, Royaume-Uni (2001) ; Eleanor Antin Retrospective, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA (1999) ; et Eleanor Antin: Selections from the Angel of Mercy, Whitney Museum of American Art, New York, NY (1997). En 1975, son exposition majeure 100 Boots a été présentée au Museum of Modern Art de New York.

Plus récemment, le travail d’Antin a été présenté dans des expositions collectives notables dans des institutions telles que Chrysalis: The Butterfly Dream au Centre D’Art Contemporain, Genève (2023) ; Mapping an Art World au MOCA, Los Angeles (2023) et au Museum of Contemporary Art, San Diego (2023). En tant qu’artiste de performance, elle s’est produite dans des lieux du monde entier, notamment lors de la 37e Exposition Internationale d’Art à la Biennale de Venise, Italie (2005) et à l’Opéra de Sydney, Australie (2002). Son travail figure dans des collections publiques telles que l’Art Institute of Chicago, le Whitney Museum, le Museum of Modern Art, le Jewish Museum et le San Francisco Museum of Modern Art, entre autres.

En 2019 elle a revisité et recréé l’une de ses œuvres les plus importantes, CARVING: A Traditional Sculpture, pour l’exposition Time’s Arrow au LACMA, en tournée au Art Institute of Chicago.

Visitez l’exposition pour un voyage au cœur des actions de l’UE et du Journal officiel de l’Union européenne !

Date :. 1/12/2025 – 28/02/2026

Lieu : Europa Expérience Luxembourg, 17 avenue John F. Kennedy, Bâtiment Konrad Adenauer, Luxembourg-Kirchberg

Organisateur : Office des publications de l’Union européenne

Visites guidées, en anglais:

Lundi, 12 janvier 2026, à 13h: inscription gratuite via ce lien

Lundi, 9 février 2026, à 13h, inscription gratuite via ce lien

Avec la CeCiL’s Box, le Cercle Cité soutient la création locale en présentant et en valorisant le travail d’artistes émergents et de jeunes artistes de la Grande Région au sein de l’une de ses vitrines de la rue du Curé. Ce mini-espace d’exposition, visible 24/7, de jour comme de nuit, offre pignon sur rue en plein cœur de ville à une série d’interventions inédites et éphémères issues du domaine des arts plastiques et des arts appliqués, dans le but de susciter la curiosité des passants et d’interroger l’imaginaire collectif.

La 38ème intervention est confiée à l'artiste Henri Schoetter et est intitulée DBC – Do, Be, Continue it.

Animé par le désir profond de créer sa propre bande dessinée, Henri Schoetter profite de l’opportunité offerte par la CeCiL’s Box pour explorer un format qui s’éloigne légèrement de son habitus habituel, fait de phases de recherche et de développement approfondies.

DBC – Do, Be, Continue it est une installation de bande dessinée interactive qui évolue dans l’espace public au fil du temps.

Relecture ludique et poétiquement énigmatique du célèbre « to be continued », le projet n’invite pas seulement à attendre la suite, mais à l’imaginer, voire à la coécrire. L’histoire commence par une étincelle, mais son déroulement prend forme à travers les idées et pensées partagées par les passant·e·s. 

En scannant un QR code, chacun·e peut lire les dernières planches et proposer la direction que le récit pourrait prendre, de manière anonyme par défaut, ou signée si souhaité. L’objectif est de créer un espace narratif partagé, où imagination, absurdité, tendresse et réflexion coexistent, avec toutes leurs facettes, contradictions et défis. 

Mis à jour une à deux fois par semaine, le projet devient le miroir d’une conscience collective et d’une narration co-construite. 

Lire. Imaginer. Participer. - Do. Be. Continue it.

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Inauguration le jeudi 11 décembre .à 12:00, où nous vous proposons de nous retrouver devant la CeCiL's Box pour un échange avec l'artiste.

Partagez vos images sur Instagram et Facebook ! #cecilsbox

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Exposition organisée par le Cercle Cité

Programmation : Marion Vergin et Iyoshi Kreutz

Des documents et photographies inédites, provenant de son fonds d’archives conservé à la Bibliothèque nationale, offrent un aperçu fascinant de cette vie dynamique d’après-guerre.

L’exposition est presentée en allemand.

Plus d’informations sur https://expo.bnl.lu

BIENVENUE AUX NOUVEAUX MEMBRES,

appeler ou envoyer un message à Philippe (Tél: 00352 621 134 226)

Entraînement

chaque semaine les LUNDIS et MERCREDIS :

17h00-19h00 pour les tireurs de moins de 15 ans

19h00-21h00 pour tous les autres

Adresse: Centre National d'Escrime-Salle Hall Victor Hugo (dans la cave !)

90 Rue Ermesinde, 1469 Luxembourg

Essai gratuit

Même si vous n'avez pas le matériel et que vous souhaitez simplement l'essayer avant de devenir membre du club, vous êtes plus que bienvenu !

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Descriptif des cours

La pratique régulière du djembé va bien au-delà de la simple percussion ; elle tisse des liens de cohésion et d’écoute au sein du groupe.

Chaque battement résonne comme le pouls d’une communauté unie, favorisant la mémorisation de rythmes variés et la coordination du corps dans un mouvement harmonieux.

Les percussions, par leur nature même, offrent un havre de calme et de sérénité, libérant l’esprit des tensions et du stress.

Mais au-delà de leur effet apaisant, elles demandent une concentration totale, une écoute attentive et une confiance en soi qui se renforcent au fil du temps.

Dans cet apprentissage collectif, chacun trouve sa place, développant sa sociabilité et sa créativité au rythme des djembés.

Guidés par la richesse des rythmes africains, nous embarquons pour un voyage musical et culturel, explorant de nouveaux horizons et découvrant des traditions anciennes qui résonnent encore aujourd’hui.

Et au cœur de cette aventure, l’apprentissage du djembé ne se limite pas à la technique ; il nous invite à comprendre l’histoire et les coutumes qui l’entourent, à apprendre à faire vibrer notre instrument comme un être vivant, porteur de traditions et de récits anciens.