Tout au long de l’été, le public est invité à découvrir les expositions du Casino Luxembourg et à faire l’expérience des conditions climatiques dans les différents espaces du bâtiment. Dans l’espace dédié aux ateliers, le public peut expérimenter librement avec les fleurs, des plantes et des herbes aromatiques préalablement cueillies et conservées par l’équipe de médiation du Casino Luxembourg.  

Inspiré·e·s par les interventions verticales et florales de Bianca Bondi., ainsi que par les processus de conservation et d’altération liés aux conditions climatiques environnantes dans son projet Notes on Weathering., les participant·e·s peuvent réaliser une composition végétale à emporter.  

*Art floral japonais 

LIEU : Casino Display, 1, rue de la Loge, L-1945 Luxembourg.

La somme de mon seum repose sur une image unique et continue : une théière traditionnelle portée à ébullition. Tournée sur pellicule analogique, l’œuvre développe, par accumulation de pression plutôt que par relâchement, une montée lente et subtile de la tension — une colère qui couve.

Le texte, structuré en quatre parties, retrace des expériences de racisme vécues à seize, vingt-et-un, vingt-six et trente-et-un ans.

Chaque fragment s’attarde moins sur l’événement lui-même que sur sa persistance : le travail intérieur d’un corps et d’un esprit qui tentent encore de comprendre ce qui ne peut être entièrement nommé. La fumée traverse le cadre, puis le déborde, refusant toute forme de containment.



La pratique de Mehdi Zion s’ancre dans les procédés filmiques analogiques et non chimiques, explorant la lumière, le temps et les propriétés intrinsèques des matériaux. La somme de mon seum prolonge cette recherche dans un registre politique et affectif, en suivant ce qui s’accumule, se comprime, puis finit par se dissiper dans l’air ambiant.

 

Extrait de vidéo © courtesy de l'artiste

Construire une communuauté

• Sam 11.07.26 >15:00
  
  Public : familles, en français


• Jeu 23.07.26 >18:00
  
  Public : jeunes (12 ans et plus) et adultes, en anglais


• Ven 31.07.26 >18:00
  
  Public : adultes, en anglais


• Sam 08.08.26 >15:00
  
  Public : familles, en anglais


• Ven 14.08.26 >18:00
  
  Public : jeunes (12 ans et plus) et adultes, en français

• Genres : Jeux & Médiation culturelle

• Organisateur / Collaboration : Organisé par La Queerdom, Metz (FR) & Gabrielle Antar
• Durée : 120’
.
• Lieu : Plateforme
• Langue : En français ou anglais
• Informations additionnelles : Pour tou·te·s; les mineur·e·s doivent accompagné·e·s d’un·e adulte
  
  Dans le cadre de Common Ground – 6e Triennale Jeune Création, Luxembourg et Grande Région
• Prix : Entrée libre, sur réservation
• Liens :
  • La Queerdom - Instagram
  .
  • En savoir plus sur Common Ground – 6e Triennale Jeune Création

SCHEDULE

• Organisateur / Collaboration : Organisé par Luster Club
• Lieux : Klub & Parvis
• Prix :. 15€ (incl. 1€ frais de prévente) / 20€ (caisse du soir), pour la soirée au Klub
  Accès libre au Parvis
• Liens :.
  • Luster Club - Instagram
  • Congés Annulés - Programme complet

Cirque Nouveau

lonely people will be sold to the circus raconte une dernière tentative de lutter contre la solitude.

Là, se dresse un cirque. Une directrice, un directeur. Au bord de la disparition, au bord de l'effondrement. À la recherche d'une issue, d'un chemin pour sortir du silence assourdissant. La place est vide. La musique s'est tue. La solitude flotte dans l'air, si forte qu'on a presque envie de se boucher les oreilles. Et puis… un son discret, une petite mélodie. Des gens arrivent. Avec armes et bagages. Avec un trampoline et une guitare. Avec des histoires et des idées. Et cette question : et si la solitude n'était pas une fin, mais le début de quelque chose à partager ?

Premier Cirque Nouveau de MASKéNADA, ce spectacle se situe à la croisée du cirque, de la musique et de la performance, et explore la solitude et le lien social dans une société toujours plus connectée — et pourtant toujours plus individualisée.

Création et mise en scène : Laetitia Lang

Recherche et performance : Anna Biebl, Mara Daro, Mady Durrer, Bruno Panetta, Arthur Possing, Ole Schöne, Marc Strasser

Costumes et scénographie : Sophie Meyer

Regard extérieur : Tammy Reichling

Remerciements : Piera Jovic

Une production de MASKéNADA

La Philharmonie vous propose des visites hors des sentiers battus. Les aspects architecturaux du bâtiment tout comme la programmation artistique seront abordés et le parcours ne manquera pas de passer par le Grand Auditorium, la Salle de Musique de Chambre, l’Espace Découverte et le Foyer. Les visiteurs auront également un accès privilégié à l’espace «backstage». Chaque visite sera adaptée en fonction des activités en cours mais des rencontres avec des musiciens, des techniciens ou encore la possibilité d’assister à une répétition ne sont pas exclues. La découverte de ces lieux généralement réservés aux artistes permettra de lever le voile sur les coulisses d’un concert. Les langues sont annoncées en amont mais peuvent être ajustées au début de chaque visite à la demande des participants.

Venez nombreux découvrir la Philharmonie comme vous ne l’avez jamais vue!

Prêts pour un voyage express dans les décennies les plus cultes ? 💿✨

🎧 DJ David Almeida aux platines.

📅 Vendredi 14 Août

🕙 22h-03h

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✨ Michael Jackson • Madonna • Queen • Whitney Houston • ABBA • Bon Jovi • A-ha • Eurythmics • Gala • Corona … et bien d'autres !

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Amenez des amies, quelque chose à grignoter et à boire !

Merci !

Au plaisir de vous y voir !

Née d’une pratique collaborative, l’œuvre d’Adams puise autant dans sa propre mémoire que dans la spiritualité et les histoires partagées. Elle transforme matériaux et objets négligés de la vie quotidienne au Cap en une puissante réflexion sur l’identité, la valeur et l’appartenance. 

Igshaan Adams: Between Then and Now [Entre alors et maintenant] se présente comme une chronologie tissée du travail de l’artiste, à laquelle s’attachent des bribes d’histoire et des échos de son propre passé. Adams a grandi à Bonteheuwel, une banlieue racialement ségréguée du Cap durant l’apartheid. Il s’est construit à l’intersection d’identités conflictuelles au sein d’une société profondément fracturée. Ces expériences ont marqué sa pratique qui explore la dimension spirituelle de la guérison et de la transformation.

L’exposition s’ouvre sur une installation proposant un large échantillon de textiles réalisés par l’artiste. Vous êtes invité·es à vous plonger dans l’environnement de l’atelier et à toucher ces échantillons. Les tapisseries emblématiques du travail d’Adams et ses sculptures « nuages » sont également présentés, ainsi que ses impressions dansées, montrées ici pour la première fois sous la forme d’un environnement de grande ampleur – ensemble, ces œuvres composent une chorégraphie silencieuse, affirmant le mouvement comme langage de libération.

Fujiwara embrasse un vaste ensemble de sujets : histoire, mytho-logie, sexualité, psychanalyse, architecture, histoire de l’art, anthropologie. Malgré cette portée ambitieuse, son travail reste intimement nourri par ses propres expériences, offrant une perspective personnelle sur des questions sociétales plus vastes.

Ses thèmes de prédilection – icônes, dessins animés, parcs d’attractions, sites touristiques de masse et musées – révèlent sa fascination pour la manière dont la société représente, exagère ou invente des images d’elle-même. Il examine l’envers de ces surfaces apparemment séduisantes pour poser une question aussi lucide que troublante : pourquoi aspirons-nous à l’authenticité alors même que nous construisons des réalités toujours plus artificielles ?

Couvrant près de vingt ans de création, cette exposition dévoile l’ampleur d’un savoir-faire qui englobe peinture, cinéma, performance, animation et narration. En mobilisant ces divers outils, Fujiwara dessine au fil de son parcours autant de portraits du XXIe siècle.

Née d’une pratique collaborative, l’œuvre d’Adams puise autant dans sa propre mémoire que dans la spiritualité et les histoires partagées. Elle transforme matériaux et objets négligés de la vie quotidienne au Cap en une puissante réflexion sur l’identité, la valeur et l’appartenance. 

Igshaan Adams: Between Then and Now [Entre alors et maintenant] se présente comme une chronologie tissée du travail de l’artiste, à laquelle s’attachent des bribes d’histoire et des échos de son propre passé. Adams a grandi à Bonteheuwel, une banlieue racialement ségréguée du Cap durant l’apartheid. Il s’est construit à l’intersection d’identités conflictuelles au sein d’une société profondément fracturée. Ces expériences ont marqué sa pratique qui explore la dimension spirituelle de la guérison et de la transformation.

L’exposition s’ouvre sur une installation proposant un large échantillon de textiles réalisés par l’artiste. Vous êtes invité·es à vous plonger dans l’environnement de l’atelier et à toucher ces échantillons. Les tapisseries emblématiques du travail d’Adams et ses sculptures « nuages » sont également présentés, ainsi que ses impressions dansées, montrées ici pour la première fois sous la forme d’un environnement de grande ampleur – ensemble, ces œuvres composent une chorégraphie silencieuse, affirmant le mouvement comme langage de libération.

Biographie.

La pratique d’Igshaan Adams (1982, Le Cap) réunit performance, tissage, sculpture et installation. Né à Bonteheuwel, un quartier du Cap en Afrique du Sud, Adams puise dans son histoire personnelle pour remettre en question les frontières ethniques, sexuelles et religieuses. Cette topographie intersectionnelle demeure visible dans l’ensemble de son travail et sert de palimpseste sur lequel les traces d’histoires personnelles s’inscrivent et se réinscrivent. Adams aborde la matérialité à travers sa propre subjectivité. Souvent, des références culturelles et religieuses sont associées à des matériaux qui ont toujours accompagné sa vie. Son intérêt pour les matériaux oscille entre un processus intuitif de manipulation de différentes substances et une recherche formelle sur la manière dont les matériaux se comportent dans divers contextes, et comment ils se transforment ou évoluent.

Adams a présenté des expositions personnelles à l’international, notamment à ARoS Aarhus Art Museum, Aarhus (2025) The Hepworth Wakefield, Wakefield (2024) ; l’Institute of Contemporary Art Boston, Boston (2024) ; Thomas Dane Gallery, Londres (2023) ; The Art Institute of Chicago, Chicago (2022) ; Kunsthalle Zürich, Zurich (2022) ; Hayward Gallery, Londres (2021) ; et The Iziko South African National Gallery, Le Cap (2018). Il a également participé à de nombreuses expositions collectives et biennales, parmi lesquelles la Biennale de Boukhara, Ouzbékistan (2025); Space of Togetherness, NEON, National Theatre of Greece Drama School, Athènes (2024); le Barbican Centre, Londres (2024) ; la 35e Biennale de São Paulo (2023) ; la Biennale des arts islamiques, Djedda (2023) ; la 59e Exposition internationale d’art de la Biennale de Venise (2022) ; la 23e Triennale de Milan (2021) ; le Kunsthaus Baselland, Bâle (2021) ; et le Pérez Art Museum Miami (2020), parmi bien d’autres.

Ses œuvres font partie des collections du Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; Speed Art Museum, Louisville ; Tate, Londres ; The Hepworth Wakefield ; Art Gallery of New South Wales, Sydney ; ARoS Aarhus Kunstmuseum ; Moderna Museet, Stockholm ; Stedelijk Museum, Amsterdam ; Art Institute of Chicago ; Baltimore Museum of Art ; The Block Museum of Art, Northwestern University, Evanston ; Inhotim Museum, Brumadinho, Brésil ; Iziko South African National Gallery, Le Cap ; Minneapolis Institute of Art ; Standard Bank Collection, Johannesburg ; ainsi que l’Université du Cap. En 2018, il a reçu le Standard Bank Young Artist Award pour les arts visuels. Igshaan Adams vit et travaille au Cap.

Nos stages sont conçus pour les jeunes de 8 à 15 ans débutants et désireux de plonger dans l’univers du théâtre, que ce soit pour une initiation ou pour perfectionner leur art. Les sessions sont enrichissantes et divertissantes, offrant une expérience complète sur scène.

De véritables comédiens ou comédiennes professionnelles seront au service des jeunes pour leur faire découvrir leur talent.

Des acteurs de la scène théâtrale ou du cinéma sont nos formateurs.

Et un Spectacle en fin de stage devant le public des parents et amis

Le Spectacle de fin de Stage sur la scène du Théâtre Le 10 à Luxembourg

Théâtre Le 10 - Ecole de Théâtre de Luxembourg

595 rue de Neudorf

L 2220 Luxembourg

Visites guidées du Palais Grand-Ducal

Du 18 juillet jusqu'au 30 août 2026 inclus., le Luxembourg City Tourist Office a l’honneur d’organiser en toute exclusivité des visites guidées du Palais grand-ducal. Durant 75 minutes, les visiteurs peuvent entrer dans les coulisses du Palais grand-ducal et admirer le bureau du Grand-Duc, la salle à manger et le salon des Rois, pour n’en citer que quelques-uns. Par la vente de tickets, le Luxembourg City Tourist Office soutient la « Fondation du Grand-Duc et de la Grande-Duchesse » ; une fondation qui soutient des programmes humanitaires et des initiatives sociales et solidaires pour aider les personnes vulnérables et en grande détresse, tant au Grand-Duché que dans les pays en développement. 

Tuyau : En 2026, assistez à la relève solennelle de la garde le lundi 22 juin et les samedis 18 juillet et 5 septembre à 16h.

Le Luxembourg City Tourist Office organise aussi des visites guidées autour de l’univers fascinant de la dynastie des Nassau:

Sous le signe de la couronne : découverte des monarques du Luxembourg

Visites guidées du Palais Grand-Ducal.

Du 18 juillet jusqu'au 30 août 2026 inclus, le Luxembourg City Tourist Office a l’honneur d’organiser en toute exclusivité des visites guidées du Palais grand-ducal. Durant 75 minutes, les visiteurs peuvent entrer dans les coulisses du Palais grand-ducal et admirer le bureau du Grand-Duc, la salle à manger et le salon des Rois, pour n’en citer que quelques-uns. Par la vente de tickets, le Luxembourg City Tourist Office soutient la « Fondation du Grand-Duc et de la Grande-Duchesse » ; une fondation qui soutient des programmes humanitaires et des initiatives sociales et solidaires pour aider les personnes vulnérables et en grande détresse, tant au Grand-Duché que dans les pays en développement. 

Tuyau : En 2026, assistez à la relève solennelle de la garde le lundi 22 juin et les samedis 18 juillet et 5 septembre à 16h.

Le Luxembourg City Tourist Office organise aussi des visites guidées autour de l’univers fascinant de la dynastie des Nassau:

Sous le signe de la couronne : découverte des monarques du Luxembourg

Plus qu’une exposition, la Triennale 2026, pensée et mise en scène par La Concierge sous le titre Common Ground, est une invitation à réinventer notre socle collectif. La Galerie devient un safe space célébrant la différence et construit sur l’inclusivité.

Inspiré par l’esprit universel de la culture underground et de la vie nocturne, où la piste de danse est un lieu d’unité affranchi des clivages sociaux, ce projet pose une question essentielle : où trouver, au Luxembourg et dans la Grande Région, les espaces culturels qui incarnent véritablement le multiculturalisme et la diversité de nos communautés ?

Réunissant 20 artistes émergent·e·s de la région sélectionné·e·s sur appel à projets, Common Ground. ne se contente pas de soutenir la jeune création et de défendre des pratiques de travail équitables ; le projet invite aussi à une réflexion critique.

Common Ground cultive un espace pluriel et inclusif où la nuit et les arts visuels fusionnent pour bousculer les normes, dépasser les clivages et encourager au dialogue. Car l’art ne se résume pas à ce que l’on voit et à ce que l’on entend. L’art se ressent et se vit ; il doit nous bousculer, nous inspirer et, surtout, nous transformer.

Common Ground ne lâche pas sa question centrale : où donc, dans notre paysage culturel, se trouve cette diversité dont on parle tant mais que l’on vit si peu ? Où sont ces lieux où sécurité, inclusivité et respect ne sont plus des privilèges, mais des droits ? Demandez-vous : où vous sentez-vous exclu·e, où vous sentez-vous réellement chez vous ?

Prenez part à la conversation : le terrain vous appartient !

Avec :

Tanoe Ackah, Benoît de Mijolla, Arthur Delhaye, Charlotte Dessaignes, Noé Duboutay, Mathis Esnault, Zarina Gibadulina, Léa Giordano, Roxane Kisiel, Luzie Kurth, Axel Lelait, Sarah Mandres, Pia Mougeot, Matteo Pereira, Pit Reding, Marie Schon Vilay, Ines Tabbakh Malleon, Marie Thill, Romain Vadala, Mohammed Zanboa

Opening Night :

Ven 26.06.26 >18:00

Voir plus d’infos

À ne pas manquer :

Voir le programme complet de la Triennale

Pensé comme un lieu de jeu, d’exploration et de rencontre, le KiVi invite les enfants à manipuler, construire et expérimenter librement à partir d’éléments simples : caisses, planches, briques, brouettes et bien plus encore.

Dans cet environnement sécurisé et stimulant, les enfants évoluent à leur rythme, tandis que les parents peuvent les observer et les accompagner dans leurs découvertes.

Venez découvrir gratuitement le Kids’ Village avec vos enfants de 0 à 6 ans !

Avec la CeCiL’s Box, le Cercle Cité soutient la création locale en présentant et en valorisant le travail d’artistes émergents et de jeunes artistes de la Grande Région au sein de l’une de ses vitrines de la rue du Curé. Ce mini-espace d’exposition, visible 24/7, de jour comme de nuit, offre pignon sur rue en plein cœur de ville à une série d’interventions inédites et éphémères issues du domaine des arts plastiques et des arts appliqués, dans le but de susciter la curiosité des passants et d’interroger l’imaginaire collectif.

La 40e intervention est confiée à l'artiste Sarah Schleich et est intitulée breathe.

L’œuvre breathe a été développée pour la vitrine de CeCiL’s Box dans le contexte urbain de Luxembourg. Dans la vitrine flotte un mot cousu et rembourré en lin et en coton : breathe. L’intérieur de l’espace est entièrement recouvert de miroirs et garni de lamelles scintillantes.

Les matériaux réagissent de manière sensible à la lumière et au mouvement. Selon l’heure de la journée, la position du soleil et l’angle de vue, apparaissent des reflets changeants et des superpositions colorées. Les lamelles diffractent la lumière en spectres scintillants et crée un environnement visuel en transformation constante.

Entre l’espace public et l’intérieur se forme une zone de seuil. Les passants perçoivent non seulement l’installation, mais aussi des fragments de leur propre reflet, de la rue et de la lumière en mouvement.

En contraste avec la vitesse du quotidien urbain, l’œuvre introduit un mot simple: breathe. Il ne s’agit pas d’une instruction au sens strict, mais d’une proposition, une brève interruption dans le rythme de la ville.

Le souffle, généralement inconscient et continu, devient ici un possible point de départ pour la perception. Un court moment d’arrêt, peut-être pour une seule respiration, peut attirer l’attention sur des éléments souvent négligés : les odeurs dans l’air chaud de l’été, les sons de la rue, la lumière changeante ou encore la sensation du corps dans l’instant présent.

breathe déplace ainsi le focus de l’objet vers l’expérience des spectateurs. L’installation agit moins comme une image que comme une invitation : un court espace d’attention au sein du mouvement de la ville.

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Inauguration le jeudi 18 juin à 12:00, où nous vous proposons de nous retrouver devant la CeCiL's Box pour un échange avec l'artiste.

Exposition programmée par : Marion Vergin et Iyoshi Kreutz

Partagez vos images sur Instagram et Facebook ! #cecilsbox

Ainsi, ce moment au Casino Luxembourg, que nous avons intitulé Post-, est l’occasion de développer une réflexion en amont sur ce qui s’est joué en aval, dans le cadre du Casino Display, l’espace de recherche et de résidence du Casino Luxembourg. Cette réflexion s’articule autour de deux axes principaux : d’une part, autour du Post-Master, qui aborde les enjeux liés à la présentation et à la transmission de la recherche artistique ; d’autre part, ce que nous nommons les Post-Résidences, qui explorent la manière dont des œuvres et des idées émergentes, réalisées dans un contexte de résidence, continuent à vivre et à se transformer par la suite.  

Post- cherche à la fois à faire le point sur ce qui a été et à envisager ce qui pourrait être. Le suffixe « post- » n’annonce donc pas une fin, un accomplissement ; il symbolise un devenir en perpétuel mouvement. 

Post-Master 

1.3-23.3.2026  

27.5-15.6.2026  

Artistes : Matilde Gazeau Frade, Inès Hosni​, Mona Young-eun Kim​, jae Park​, Seunghyun Park​ 

Post-Master interroge les manières de présenter un processus de recherche en cours de développement : comment introduire des idées dans l’espace alors même que la recherche n’est pas encore aboutie ? La proposition est d’explorer la narration comme méthode de transmission de la recherche artistique en cours, mais aussi comme un outil d’exploration du processus en lui-même. Les deux moments d’exposition donnent à voir deux stades de la recherche, entre émergence des idées et leur métamorphose au fil du processus, invitant à suivre leur devenir. 

Le Post-Master européen est un programme en collaboration avec la Haute École des Arts du Rhin (HEAR – Strasbourg/Mulhouse, France), l’École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre (La Cambre – Bruxelles, Belgique), la Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten (KABK – La Haye, Pays-Bas), et l’École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Nancy (Ensad Nancy, France)  

 

Post-Résidences 

Artistes : 

Sam Krack: 1.3-30.3.2026 

Phuong Thao Nguyen: 8.4-4.5.2026  

ludovic hadjeras: 6.5-8.6.2026  

Nika Schmitt: 24.6-7.9.2026

Avec les artistes et auteure invité·e·s Christian Schwarz, Lorenz Pasch, Pegasus Product (Dargelos Kersten, Anton Peitersen, Gernot Seeliger), Anush Sarkisian ​​​​​​​ 

Au Casino Luxembourg, d’ancien·ne·s résident·e·s présentent des œuvres à l’origine créées in situ au Casino Display dans le cadre de leurs résidences. En revisitant ces œuvres au sein des espaces d’exposition du Casino Luxembourg, les résident·e·s amorcent une réflexion curatoriale sur la manière dont des œuvres conçues dans un espace artistique donné – en l’occurrence le Casino Display, où les artistes ont résidé pendant plusieurs mois – peuvent être déployées à nouveau mais dans un contexte différent. Cette démarche offre l’occasion d’explorer la porosité entre les deux espaces et les implications curatoriales qui découlent de cette transition. 

Conçue comme un exercice dans l’espace, cette phase se déploie comme un dialogue entre artiste et curateur·rice qui réfléchissent ensemble sur la transformation des œuvres lors de leur migration d’un contexte d’origine vers un autre. Elle s’intéresse à la manière dont une œuvre, réalisée dans l’intimité et dans l’intensité d’une résidence d’artiste, peut résonner différemment ailleurs, et analyse les nouvelles significations ou tensions qui peuvent émerger de cette translation. L’accent est ici autant mis sur la genèse de l’œuvre que sur son potentiel de renouveau. 

Pour conclure les Post-Résidences, Nika Schmitt décalera à nouveau le cadre et brouillera les temporalités en développant une réflexion à rebours. Elle y abordera le processus de création en anticipation d’une résidence à venir, tout en instaurant un dialogue entre les œuvres passées et celles à venir. 

Tout au long de ce projet, curateur·rice et artiste travaillent ensemble en se concentrant sur les dimensions critiques de l’exercice. En produisant de manière collaborative un nouveau document destiné à accompagner l’œuvre, ils et elles prolongent la notion de création in situ. 

 

périscope .

01.04-18.05.2026 

Artistes : Shade Sadiku Cumini, Léa Giordano, Rari Matei, Mehdi Zion 

périscope est une installation d’images en mouvement placée derrière une petite vitre à ras le sol du bâtiment du Casino Display et visible depuis la rue de la Loge. Les œuvres créées lors de la première année de résidences en 2025 et destinées à l’activation du dispositif, sont désormais présentées au Casino Luxembourg. L’idée est notamment de questionner la manière de transposer des œuvres conçues dans un format très spécifique et de poursuivre le dialogue et l’échange dans un autre espace.  

L’artiste Mehdi Zion imagine une œuvre destinée à être d’abord présentée au Casino Luxembourg, puis au Casino Display dans le dispositif de périscope, renversant ainsi la direction de la création et de la présentation. 

Comme un véritable laboratoire, Den DemokratieLabo vous invite à expérimenter, à découvrir et à analyser. L’objet y observé est la démocratie. L’exposition est interactive et multilingue (allemand, français et anglais). Autorisation explicite de participer, de toucher et de discuter.

Le ZpB propose à plusieurs dates des visites guidées gratuites. Vous pouvez vous inscrire gratuitement via les liens suivants :

• Samedi, 13 juin, à 15h en anglais - inscrivez-vous ici.
• Lundi, 29 juin, à 13h en anglais - inscrivez-vous ici.
• Samedi, 11 juillet à 15h en français - inscrivez-vous ici.
• Samedi, 5 septembre à 15h en français - inscrivez-vous ici. 

Le ZpB propose également des visites guidées pour groupes scolaires (réservation par mail à demokratielabo@zpb.lu ou via le calendrier de réservation).

Organisateur(s) principal(aux): Forum ASBL

Vernissage le 07.07 à 18h, sur inscription billeterie@neimenster.lu

Le point d’origine conceptuel de l’exposition se situe à Mombasa, au Kenya, où, enfant, l’artiste découvre l’argile au sein de la communauté massaï et réalise sa première sculpture. De cette expérience fondatrice naît un langage artistique dans lequel la matière devient un lieu de passage culturel et de transformation imaginaire.

Les œuvres de Mariko n’appartiennent jamais à une seule tradition. La puissance archaïque et totémique de l’art africain s’entrelace avec la tension contenue de l’esthétique orientale et la sensibilité plastique de la sculpture européenne, générant des figures qui échappent à toute catégorisation fixe. C’est précisément dans cette fusion que son travail trouve sa cohérence : un langage visuel capable d’unir monumentalité et délicatesse, rituel et contemporanéité, mémoire ancestrale et imaginaire moderne.

Les figures féminines traversent l’ensemble de son œuvre comme des archétypes en transformation : la femme africaine primordiale et rituelle ; la geisha japonaise, suspendue entre discipline et mystère ; la figure européenne introspective ; et l’écho lointain de l’icône du cinéma américain — incarnation de la fascination, de la performance et de l’identité construite. Ces présences ne restent pas séparées, mais se fondent et se transforment au sein des sculptures, devenant une figure unique et universelle, au-delà des frontières et des définitions culturelles.

La céramique, le bronze, la terre cuite et les éléments métalliques participent à ce dialogue entre mondes éloignés. Les surfaces sombres et texturées évoquent un langage matériel dans lequel mémoire archaïque et sensibilité contemporaine coexistent dans une tension constante.

The Birth of a Vision ne se déploie pas comme un récit linéaire, mais comme une constellation de connexions et de contaminations, où chaque sculpture devient un point d’intersection entre continents, cultures et imaginaires. Pour Mariko, l’art est l’espace dans lequel ces géographies convergent, se dissolvent et prennent finalement forme à travers la matière.