Nous connaissons toutes et tous les deux états fondamentaux de la conscience que sont le sommeil et la veille. Mais que savons-nous de ce qui se produit entre les deux ? Un état étrange et fascinant, caractérisé par des visions similaires aux rêves et des expériences sensorielles inhabituelles, se situant à la frontière de la pleine conscience et du repos. Les psychologues l’appellent hypnagogie mais, avant même que le terme n’existe, les artistes s’en servaient déjà depuis des siècles pour y puiser certaines de leurs idées les plus inspirantes.



Depuis quelques années, de nouvelles technologies permettent de recréer cet état de conscience particulier à l’aide de lampes diffusant une lumière neurostimulatrice. L’état de conscience modifié induit par ce type de lumière mène à un état de détente et de relaxation et déclenche une expérience kaléidoscopique intense de couleurs, d’effets psychédéliques, de formes et de figures de géométrie sacrée.

Dans le cadre des séances hypnagogiques présentées au Casino Luxembourg, le compositeur et musicien Hugo Figuera développe une approche musicale pensée comme un champ d’expérience, en dialogue avec les dispositifs lumineux neurostimulants, où le son devient un vecteur d’exploration sensorielle. 

 

Alexandre Quaranta est un philosophe et écrivain français et enseignant de yoga du rêve. Il est spécialisé dans l’étude interdisciplinaire du vaste spectre des états des conscience non-ordinaires. Il s’intéresse particulièrement aux moyens de faciliter l’accès à l’extase musicale et aux explorations non-duelles par la photoneuromodulation, ainsi qu’au développement d’une approche originale pour faciliter l’apprentissage et l’exploration des rêves lucides.

Il est l’auteur du traité « S’étonner d’être : l’éveil à la joie d’être conscience » paru aux éditions Originel Accarias.

Intéressée par la croisée entre l’art et l’exploration intérieure, Laura Kozlik questionne l’impact des images sur nos dynamiques internes. Dans ce cadre, elle explore les liens entre états de conscience modifiés et représentations inconscientes.

Dans son travail, elle accorde une place essentielle à l’imaginaire et à l’expérience sensible comme leviers de transformation personnelle. Cette approche intégrative trouve son expression dans des séances individuelles d’accompagnement énergétique.

Hugo Figuera est un compositeur et musicien dont la pratique explore les états de perception à travers le son. 

Formé au piano dès son plus jeune âge, il développe une approche sensible de l’écriture musicale avant de s’immerger dans la production électronique, notamment dans le champ de la drum & bass, où il explore les dimensions physiques et immersives du son, du rythme et de la répétition. 

Son travail évolue aujourd’hui vers des formes hybrides, à la croisée de la composition, du design sonore et de l’expérimentation perceptive. À travers des textures, des oscillations lentes, des battements et des espaces sonores en transformation, il cherche à créer des environnements d’écoute propices à l’attention, à l’introspection et à la modification des états de conscience.

Photo : Alexandre Quaranta

Alors que l’écran structure aujourd’hui nos modes d’attention, de communication et d’imaginaire, les propositions du programme Offscreen en interrogent les seuils : de simple surface de diffusion, l’écran devient ici un espace mental et intime.

Offscreen invite à repenser notre rapport aux images à l’ère de leur omniprésence, en réintroduisant des formes de lenteur, d’attention et de subjectivité.

Photo : avec l'aimable autorisation d'Alexandre Quaranta

Le projet interroge la façon dont des technologies, telles que le rendu en temps réel, la réalité virtuelle ou la génération algorithmique d’images, transforment nos imaginaires culturels, reconfigurent les formes de subjectivité et modifient nos manières de percevoir, de croire et de faire l’expérience du réel dans la durée. Ces technologies n’agissent pas seulement sur le présent immédiat, mais inscrivent l’expérience dans des temporalités multiples où se superposent mémoire, anticipation, héritages culturels et projections générationnelles. 

Au cœur de Screentime/s se trouve une reconsidération critique de l’écran, passé désormais de simple surface de diffusion à une interface active et générative, une membrane psychotechnique à travers laquelle se construisent des identités hybrides, des réalités spéculatives et des formes de narration visuelle ouvertes. L’écran devient à la fois médium et interface, espace rituel et appareil de fabulation, participant à la production de nouvelles conditions d’expérience qui brouillent les frontières entre le réel et le virtuel, le visible et l’imaginaire, le corps et le synthétique. 

Ouvert du jeudi au samedi : de 13 h 00 à 18 h 00. Entrée libre.

Les scènes musicales ne se limitent pas à la simple création musicale. Elles constituent un espace de rencontre, d’inspiration et de libération des tensions. Elles existent grâce au soutien de leurs communautés, d’un vaste réseau d’acteur·ice·s allant des musicien·ne·s et de celles et ceux qui les accompagnent aux participant·e·s aux événements. Toutes et tous partagent une qualité commune : leur présence constante, qui se traduit par un soutien sans faille. La nécessité d’un espace affranchi des impératifs économiques et des normes sociales qui en découlent motive d’ailleurs l’approche DIY (Do It Yourself) dans la construction, l’organisation et la vie de ces scènes.



On reconnaît les genres musicaux à leurs pochettes d’albums, leurs affiches de concert, leurs vidéos et aux produits dérivés qui les accompagnent. Cette exposition est née de la volonté de partager et de rendre hommage au travail des artistes visuel·le·s, qui contribuent activement à façonner les scènes musicales extrêmes pour en faire ce qu’elles sont aujourd’hui. C’est l’occasion de voir et de comprendre à travers leurs yeux et leurs oreilles. En les invitant à exposer leurs œuvres, les artistes partagent leur vision des écosystèmes dans lesquels ils·elles évoluent. 



En réfléchissant aux rencontres faites tout au long de son parcours migratoire, Zohra Mrad établit des liens entre différent·e·s artistes et leurs pratiques, allant des expressions abstraites et poétiques aux messages explicites et sans équivoque, en passant par le noise, le drone, l’ambient, le punk hardcore et le metal.



Chaque heure est consacrée à un thème et les enfants sont invités à réagir à la musique avec leur musicalité et leur créativité. Ils utilisent des hochets, des tambours, des bois sonores et bien d’autres choses encore. Les enfants peuvent s’exprimer librement avec leur créativité et renforcent ainsi leur confiance en eux. L’atelier alterne des phases actives et des phases de détente et convient à tous les enfants, avec ou sans handicap.

Nous ne souhaitons exclure aucun enfant en raison de son handicap, mais nous devons vous informer que notre établissement n’est malheureusement pas accessible aux fauteuils roulants.

Important :. pour que tout le monde bénéficie du déroulement de l’atelier, une participation régulière est demandée (toutes . Les enfants sont priés de se munir de chaussures de sport confortables.

Entrée: gratuite

Plus d'informations: info@ewb.lu

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